por La mayoría de las marcas que hemos presentado en esta serie Breve historia habrán podido rastrear sus raíces en los EE. UU. o Europa de alguna manera, pero desde el principio, Ibanez ha sido diferente. Ibáñez es probablemente la más famosa de las marcas de guitarras japonesas, y con sus orígenes como la división de importación de instrumentos musicales de una cadena de librerías, tal vez no sea sorprendente que la compañía siempre haya hecho las cosas de manera un poco diferente a sus rivales tanto en Japón como en otros lugares. y visión de futuro con él. Pero primero volvamos a esa humilde cadena de librerías.
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Orígenes no convencionales
La historia de Ibáñez comienza en Nagoya, la cuarta ciudad más poblada de Japón y uno de sus principales puertos comerciales. También con sede en Nagoya estaba Hoshino Shoten, una cadena de librerías que, debido al aumento de la demanda de instrumentos occidentales como resultado de la occidentalización de Japón a fines del siglo XIX y principios del XX, estableció una división de instrumentos musicales, Hoshino Gakki (‘gakki’). significa ‘instrumento musical’ en japonés), para importar guitarras clásicas de alta gama al país.
Desde finales de la década de 1920 en adelante, Hoshino Gakki comenzó a importar instrumentos fabricados por un legendario maestro luthier español llamado Salvador Ibáñez. Ahora bien, Hoshino Gakki no fue la única empresa que importó los instrumentos de Ibanez, varias otras lo hicieron, sobre todo Yamaha, pero en la década de 1930, Hoshino Gakki hizo algo que uniría los dos nombres para siempre.
En 1935 los cuerpos de Hoshino Gakki decidieron que en lugar de simplemente importar instrumentos de España, comenzarían a fabricar sus propias guitarras en Japón, y en honor al maestro luthier que había inspirado los instrumentos (y cínicamente, probablemente también por su buen reputación), fueron tildados de ‘Ibáñez Salvador’, que luego se acortó a simplemente Ibáñez.
Lo extraño, lo maravilloso, las copias
La historia moderna de las guitarras Ibanez realmente comienza en 1957 cuando la juventud de Japón, como el resto del mundo, comenzó a ser picada por el gusanillo del rock ‘n’ roll y, como resultado, la marca comenzó a vender guitarras extrañas y maravillosas con formas extrañas. instrumentos que fueron producidos por fabricantes de instrumentos en Japón, incluidos Teisco, FujiGen Gakki, Guyatone y en su propia fábrica Tama.
Sin embargo, a mediados de la década de 1960, Ibanez, como muchas otras marcas de guitarras japonesas, se había acostumbrado a producir réplicas muy, muy parecidas a los famosos instrumentos fabricados en EE. UU. que habían impulsado la explosión de la música pop de artistas como Gibson, Fender y Gretsch.
Hoy en día, el tema de los derechos de autor y la propiedad intelectual es tal que las demandas entre marcas por las formas del cuerpo son un lugar deprimentemente común, pero en esta época las cosas eran mucho más salvajes (Gibson ni siquiera se molestó en tratar de registrar muchas de sus formas clásicas hasta el 1990) y mientras marcas como Ibanez solo producían instrumentos para los mercados de Asia y Australasia, por falta de preocupación o simplemente por ignorancia, parecía que las grandes marcas estadounidenses se contentaban con dejarlos en paz.
Sin embargo, dentro de una década, eso estaba a punto de cambiar drásticamente.
La era de las demandas
No es una subestimación decir que a finales de los 60 y principios de los 70, el brillo había desaparecido de la industria de la guitarra de EE. UU.: la era CBS en Fender y la era Norlin en Gibson coincidieron con una reducción de costos generalizada que vio una disminución gradual pero innegable en calidad de construcción, mientras que compañías como Martin estaban tan atrasadas gracias al auge del folk y la capacidad insuficiente en su fábrica que la lista de espera para una nueva guitarra era tres años.
Fue como resultado de esta situación que nacería la industria boutique de guitarras de EE. UU., a medida que los pequeños lauderos se dieron cuenta de que podían producir instrumentos que eran tan buenos, si no mejores, que las guitarras producidas en masa de la época, y los músicos en activo estaban preparados para pagar un poco más para garantizar esa fiabilidad.
Uno de estos lauderos era un hombre llamado Harry Rosenbloom, que dirigía Medley Music de Bryn Mawr, Pensilvania y en los años 60 comenzó a construir sus propios instrumentos bajo la marca Elger Guitars. Pero en 1965, Rosenbloom cambió de rumbo por completo e hizo algo que cambiaría la industria estadounidense de guitarras para siempre: dejó de fabricar guitarras él mismo y se convirtió en el distribuidor exclusivo de guitarras Ibanez en Estados Unidos, y luego, en 1972, Hosino Gakki y Elger comenzaron una sociedad para importar guitarras Ibanez. guitarras a los Estados Unidos.
Cuando solo estaban en Japón, el hecho de que marcas como Ibanez, Greco, Tokai, Hondo, Electra y muchas, muchas otras estuvieran produciendo copias de alta calidad de instrumentos estadounidenses no había merecido mucha preocupación por parte de los peces gordos. Pero ahora estos instrumentos comenzaban a inundar el mercado estadounidense y, en muchos casos, ofrecían una calidad de construcción y un sonido superiores por una fracción del precio de una Gibson o Fender de los 70.
Da la casualidad de que la guitarra del punto de inflexión fue una Ibanez: la Super Standard era una versión muy cercana de una Les Paul y en 1977 Norlin decidió que ya había visto suficiente y presentó una demanda contra Elger/Hoshino en Pensilvania, alegando el uso indebido de la guitarra de Gibson. forma y logotipo del clavijero.
Hoshino resolvería la demanda fuera de los tribunales en 1978, realizó cambios en su clavijero y otros logotipos y comenzó a concentrarse en producir sus propios diseños únicos. Las otras marcas japonesas que importaban a los EE. UU. pronto siguieron su ejemplo y la ‘era de las demandas’, como se conocería retrospectivamente, terminó.
Sin embargo, para Ibáñez, esta reputación de calidad y asequibilidad (Ibáñez había ganado admiradores famosos como Bob Weir de Grateful Dead y Paul Stanley de KISS) combinada con una nueva necesidad de diversificar sería la receta para un éxito sin precedentes en los años venideros.
gritando fuerte
A mediados de los años 70, Hoshino Gakki llegó a un acuerdo con la compañía Nissin para producir algunos de los pedales de efectos novedosos que estaban comenzando a conquistar el mundo de la guitarra. Como parte del acuerdo, Nissin diseñaría y produciría los pedales para Ibanez, pero también los lanzaría bajo su propia marca Maxon.
A finales de los 70, el diseñador de Maxon, Susumu Tamura, recibió el encargo de diseñar un pedal para competir con el nuevo Boss OD-1 y, al hacerlo, Tamura cambiaría el mundo de la guitarra para siempre. El circuito que Tamura diseñó fue innovador e hizo uso de un amplificador operacional para diferenciarlo de los pedales de tierra basados en transistores de los años 60 y principios de los 70.
El pedal resultante llegó en 1979 y fue bautizado como Tube Screamer, ya que fue diseñado para replicar el sonido de un amplificador de válvulas con overdrive.
Para decirlo suavemente, el Tube Screamer fue un éxito: el más famoso fue adoptado por Stevie Ray Vaughan, sería una pérdida de tiempo tratar de enumerar a todos los guitarristas famosos que han confiado en las maravillosas cualidades “transparentes” de un TS en su tablero. A través de los años.
Irónicamente, dados los problemas legales de Ibanez en los 70, no es exagerado decir que ningún pedal ha sido más copiado que el Tube Screamer, mientras que la propia compañía ha producido varias versiones, incluyendo el OG TS-808, el TS-9 de principios de los 80 y el de 1986. TS-10. Las tres versiones tienen sus fans (John Mayer es un amante notable del TS-10 ‘pasado de moda’), pero las series 808 y 9 son las más populares.
prepárate para rockear
En los años 70, Ibáñez se había ganado una reputación por su calidad y valor, pero a principios de los 80, los instrumentos que la marca había sido censurado por copiar rápidamente pasaron de moda a medida que la era del triturado vio una explosión en la demanda de hachas de rock de alto rendimiento que cumplió con las exigentes expectativas de una nueva generación de jugadores técnicos.
Ibanez se zambulló de cabeza en el boom del shred, tomando el concepto ‘Superstrat’ que los luthiers boutique californianos como Wayne Charvel, Grover Jackson y Gary Kramer habían popularizado, Ibanez comenzó a crear sus propios modelos de doble corte.
Los primeros ejes triturados de Ibanez fueron Roadstar y Sabre, que eventualmente se transformarían en las guitarras de la serie RG y S que aún existen en la actualidad. Con detalles listos para triturar como cuellos rápidos y delgados, humbuckers de alto rendimiento, cortes profundos y sistemas de trémolo de bloqueo, Ibanez pronto se convirtió en una de las marcas más populares para trituradoras grandes y pequeñas.
Esta era también vio a Ibanez comenzar a sumergirse en el mundo de los instrumentos exclusivos, pero lo abordaron de manera ligeramente diferente a la mayoría de las marcas en ese momento: en lugar de permitir que un artista especificara un modelo existente a su gusto, Ibanez le dio a sus artistas exclusivos una lienzo en blanco sobre el que plasmar sus ideas más disparatadas.
Fue un enfoque que dio sus frutos con gente como Allan Holdsworth y Reb Beach, pero quizás alcanzó su punto máximo con un trío de titanes triturados, Joe Satriani, Steve Vai y Paul Gilbert. La serie JS de Satch ha sido una de las partes más consistentes del catálogo de Ibanez durante 30 años, mientras que la PGM, Fireman y Mikro de Gilbert son algunas de las guitarras menos convencionales de la marca.
Sin embargo, es con Vai que se han creado los instrumentos característicos más famosos de Ibanez: desde el universo de siete cuerdas que cambia el juego hasta el icónico JEM, hasta el extraño Hydra de tres cuellos creado para él en 2020, rara vez una marca y un artista parecen ser más en la misma longitud de onda que Ibáñez y Steve Vai.
nu horizontes
Da la casualidad de que Vai tendría un papel clave, aunque involuntario, que desempeñar en el éxito y la reinvención de Ibáñez en la década de 1990. Los instrumentos de siete cuerdas habían existido durante décadas, pero a principios de los 90, cuando los guitarristas Munky y Head buscaban una manera de hacer que los riffs de su banda sonaran más profundos, oscuros y aprensivos, Munky recordó a su ídolo Steve Vai usando un siete. -guitarra de cuerdas en los años 80, por lo que la pareja invirtió en instrumentos Ibanez Universe de siete cuerdas antes de la grabación del debut homónimo seminal de Korn en 1994: nació el sonido del nu metal y, por primera vez, las siete- la guitarra de cuerdas se convirtió en la corriente principal.
En poco tiempo, todos los aspirantes a guitarristas de bandas de nu metal querían tener en sus manos una guitarra de siete cuerdas, y las marcas heredadas se apresuraron a entrar en acción. Sin embargo, Ibanez estaba por delante del juego, por lo que no sorprende que todos, desde Linkin Park hasta Staind y Limp Bizkit, usaran los instrumentos de siete cuerdas de la marca, mientras que Head y Munky serían honrados con sus propios modelos K7 en 2001.
Una nueva generación
Desde los años 90, Ibanez ha sido una marca fuertemente asociada con el metal y, a pesar de los intentos de la marca de diversificarse a partir de eso (los instrumentos Talman y Roadcore son instrumentos notables que han sido éxitos leves en ese sentido), es una reputación que ha mantenido a la marca en muy útil ya que la explosión de las redes sociales ha visto una explosión de metal técnico en la última década, con todos, desde Tosin Abasi e Yvette Young hasta Mårten Hagström y Tim Henson, todos creando modelos exclusivos con la marca.
Más de un siglo después de que comenzara a fabricar sus propias guitarras, Ibanez se ha ganado con razón la reputación de crear instrumentos innovadores y que superan los límites para guitarristas que están a la vanguardia de lo que es posible.
