febrero 24, 2024
The Shred Decoder: amplía tu control melódico y rítmico

The Shred Decoder: amplía tu control melódico y rítmico

En mi experiencia, la construcción de líneas siempre ha tenido que ver con la textura y la estructura. Desarrollar ideas para tocar solos y escribir melodías requiere un agudo sentido del contexto armónico y rítmico. Se trata de seducir al oyente y ofrecer un viaje que sea difícil de olvidar, un viaje que satisfaga al oyente. Por supuesto, es importante escribir para usted y desde el corazón, pero también recuerde que si la intención de su corazón es inspirar a otros, entonces está en el camino correcto a largo plazo. Y aquí es donde entra la melodía.


La melodía merece un cierto nivel de prioridad en relación con la armonía y el ritmo. En esta lección, le mostraré una forma rápida de comenzar a mejorar sus líneas. La buena noticia es que la música no tiene límites y no le importa el nivel en el que te encuentres. La armonía y el ritmo deben ayudarse mutuamente a contar su historia.

En Ex. 1 tocaremos el arpegio Em7 (E–G–B–D) en dos posiciones. No se preocupe, no entraremos en demasiada teoría, solo recuerde que estas formas se pueden transponer a cualquier tono. El superior comienza en la décima posición y sube por el cuello, mientras que el inferior comienza en la quinta posición. Ponerlos debajo de los dedos ayudará a trazar un poco el diapasón. Trato de visualizar solo una octava a la vez, y luego tomo esa forma y la muevo donde sea necesario para perseguir las ideas melódicas y rítmicas que me inspiran.

Ex. 2 sigue la misma idea, pero esta vez usando un arpegio Gmaj7 (G–B–D–F#). Elegí mi menor y sol mayor porque son centros clave estrechamente relacionados. Cuando aprendas estos arpegios, concéntrate en los pares de cuerdas que ocurren en cada octava. En el arpegio extendido que asciende desde el segundo traste, observe cómo los patrones se repiten en cada octava. Ese no es siempre el caso, como verás en el segundo arpegio que asciende desde el noveno traste.

The Shred Decoder: amplía tu control melódico y rítmico

A continuación, vamos a usar el primer arpegio de Gmaj7, el que tiene el patrón recurrente, para practicar la ejecución de una secuencia. Pensar en Ex. 3 en grupos de cinco. Cuando practico estas líneas, me gusta usar ritmos de batería en lugar de un metrónomo. Ahora aquí está el giro: para desafiar progresivamente mi técnica, sigo cambiando la subdivisión de la métrica que estoy usando. Por ejemplo, aquí estamos en 4/4. A medida que desarrollo la secuencia, aumentaré la subdivisión de negras, tresillos de negras, corcheas, tresillos de corcheas, luego semicorcheas y finalmente tresillos de semicorcheas. Eso no solo aumenta mi velocidad, sino que también me obliga a ser rítmicamente consciente, lo que me da velocidad y precisión. Me da control total. Tómese su tiempo con este ejemplo porque aplicaremos el mismo concepto de subdivisión cambiante al siguiente.

Revisamos el patrón de arpegio Em7 en el traste 12 para Ex. 4. Tomemos un momento para hablar sobre la selección. Utilice cualquier técnica con la que se sienta más cómodo, pero si debe saberlo, en el clip de audio correspondiente estoy usando tanto ligado técnica como puedo. Para aquellos que no estén familiarizados con este término, significa que estoy usando hammer-ons y pull-offs para hacer sonar muchas de las notas, como se indica en la notación y tabulación. Pero no hay necesidad de obsesionarse con la técnica de selección. Si desea elegir cada nota usando una selección alternativa o económica, hágalo con estilo. Si quieres una selección híbrida, hazlo. El punto es aumentar tu conocimiento rítmico y ejecutar algunas ideas creativas.

Ahora es el momento de intensificar las subdivisiones. En Ex. 5 y Ex. 6, estamos usando los mismos arpegios que trazamos anteriormente, solo que esta vez estamos tocando semicorcheas. Si esto es algo que no ha hecho antes, no se alarme. Solo piense en ello como un ligero aumento en la velocidad. Aprender a cambiar las subdivisiones con un control continuo es una excelente manera de expandir su capacidad para desarrollar líneas.

Suficiente con los ejercicios, hagamos algo de música. Ex. 7 comienza recorriendo el arpegio Em7 con semicorcheas, luego pasa a la siguiente octava usando tresillos de semicorcheas. Luego, para variar, mezclamos un poco de lirismo pentatónico. Eso me lleva a una nota al margen: Siempre aléjese por un momento de usar solamente arpegios mezclando algo de lirismo pentatónico o escalar en tus líneas. Una línea compuesta solo de arpegios puede sonar rígida y redundante. Una forma de evitar esto es esparcir algunos tonos de escala en la frase.

En Ex. 8, estamos usando arpegios Em7 nuevamente, pero la posición convenientemente nos da tres octavas completas para trabajar. En lugar de ceñirme exclusivamente a la forma básica, también incluí algunos movimientos pentatónicos. Observe cómo la mezcla de semicorcheas y tresillos de semicorcheas agrega color a la línea. La clave para sonar como un músico profesional es asegurarse de que su forma de tocar ofrezca al oyente una variedad de ritmos y opciones de notas.

Volvemos a la forma Gmaj7 para Ex. 9. Comienza en la octava más baja, que está en el segundo traste, y una vez más se mezcla en esa buena tonalidad pentatónica de Mi menor (E–G–A–B–D). Repetimos lo mismo una octava más alta, pero debido a que nos quedamos sin espacio, debemos deslizarnos hacia arriba antes de terminar la línea en una tonalidad de sol mayor.

En nuestro último ejemplo (Ex. 10), volvemos al arpegio Gmaj7 en su posición más alta, aunque esta vez lo estamos tratando un poco más líricamente. Sin secuencias, solo tocando fragmentos del arpegio.

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