Gretsch G2622T-P90 Aerodinámico Review – Guitarra Premier

Sostener

Además de descansar (a lo que llegaremos pronto), la forma más lenta y atractiva de tocar una nota es sostenerla. Hay pocos más hábiles en esto que Carlos Santana. En su versión en vivo de “Europa” de viva santana, Carlos se las arregla para sostener una nota por poco menos de un minuto (vea el video a continuación a partir de las 3:36). Y aunque es cierto que la banda está tocando un ritmo latino optimista sobre un vampiro de dos acordes, es la nota minuciosamente sostenida de Carlos la que crea la tensión y la sensación de emoción. Ex. 1 es un ritmo al estilo de Santana que presenta varias notas sostenidas, incluida una curva de larga duración.

Si bien Santana demuestra que puedes hacer mucho con una sola nota, hay muchas variaciones de múltiples notas que puedes crear a partir de una cuerda vibrante y sostenida. Cuando se trata de este enfoque, uno piensa inmediatamente en Jimi Hendrix y sus presentaciones en vivo de “Machine Gun”, “Wild Thing” y “The Star-Spangled Banner”. Mi nota sostenida favorita de Hendrix se puede escuchar en su versión de “Auld Lang Syne” de Vive en el este de Fillmoreque grabó en la víspera de Año Nuevo de 1969. En esta actuación estelar, Jimi sostiene una nota durante más de 10 segundos y luego procede a interpretar la melodía sin tocar las cuerdas, usando solo su barra vibratoria y una serie de diapositivas. Ex. 2 es una imitación de la actuación de Jimi utilizando hammer-ons y pull-offs en lugar de la técnica de barra vibratoria.

En las canciones antes mencionadas, tanto Santana como Hendrix habrían estado tocando a través de amplificadores con los volúmenes completamente subidos. Si bien este enfoque es divertido, hoy en día tiene varias opciones cuando se trata de ejecutar notas tan largas y sostenidas. Innumerables compresores, pedales de “sostenimiento” reales y amplificadores de modelado digital le permitirán tocar con un volumen mínimo y aun así lograr un sostenido infinito. Experimente con diferentes configuraciones para decidir cuál es mejor para usted en cualquier situación.

Espacio

Un segundo enfoque para tocar más lento, y que se puede lograr con o sin amplificadores, es el simple acto de descansar entre frases, o más dramáticamente, entre las notas que componen sus frases. Ahora digo “simple”, pero si escucharas cualquier cantidad de grabaciones de guitarra, podrías preguntarte: “Si es tan simple, ¿por qué tan pocos lo hacen?” Es cierto, los guitarristas parecen tener aversión a descansar y crear espacio en su forma de tocar. Aún así, ya sea por costumbre, imitación o descuido, la solución es simple.

Para sentirse cómodo con este enfoque, escuche e imite a los vocalistas que, a diferencia de los guitarristas, tienen que respirar entre frases. Un buen lugar para comenzar con la imitación vocal es el estudio de cualquier cantidad de versiones de “St. Louis Blues” de WC Handy, una forma estándar de 12 compases que presenta una melodía más lírica y menos basada en lamidas. Bessie Smith, Billie Holiday y Etta James han grabado versiones de este estándar de blues y, en particular, la versión de Etta comienza con una audaz introducción a cappella de la que todos los músicos podrían aprender.

Ex. 3 presenta versiones acústicas y eléctricas de dos coros de “St. Louis Blues”. La primera vez que se interpreta la melodía es casi idéntica a la partitura original de 1914. Si bien esta versión tiene una buena cantidad de espacio, el fraseo es bastante aburrido rítmicamente. El segundo estribillo agrega aún más espacio (resista la tentación de llenar los descansos de seis tiempos al final de cada frase), es más sincopado y rompe cada oración lírica individual con descansos entre palabras, en lugar de unir las letras en una sola. frase larga

Hay, por supuesto, una miríada de otros paradigmas de fraseo vocal que destacan el uso del espacio y que también se traducen bien en la guitarra. Ex. 4 toma prestado mucho de Patsy Cline, quien era particularmente experta en el uso del espacio y el tiempo, a menudo haciendo pausas inesperadas y luego torciendo sus notas en una sorprendente serie de síncopas que pocos otros músicos habrían considerado. Comienza con una muy recta, Libro falsoLuego, revela cómo Patsy podría variar una frase repetida con su uso del espacio, la articulación y la variación rítmica, similar a los versos de “Crazy”.

Refinamiento

Uno de los numerosos beneficios de tocar más lento es que puede subrayar los aspectos más sutiles de la técnica de la guitarra. Al realizar un ataque o articulación con cautela, el arte se puede escuchar tanto en el procedimiento como en el resultado musical. Jeff Beck es un maestro de este tipo de ejecución lenta, y su grabación de 1976 de “Goodbye Pork Pie Hat” de Charles Mingus es el arquetipo de la interpretación. Ex. 5 toma muchas de las articulaciones lentas que usa Beck en “Goodbye Pork Pie Hat” (curvas mesuradas, deslizamientos circunspectos, inclinaciones deliberadas, incluso el escurridizo clic de cambiar de pastilla) y las aplica a “Amazing Grace”, que Beck también ha grabado, aunque con un enfoque diferente e, irónicamente, un tempo ligeramente más rápido que el presentado aquí.

Solo

Legiones de guitarristas fingerstyle tienen la impresión de que, debido a que tocan solos, deben tocar todas las partes habituales a la vez y debe ser rítmicamente implacable. Como resultado, demasiada música fingerstyle es unidimensional. No así para la música de Leo Kottke. Aunque Kottke es conocido por tocar más notas en una canción que la mayoría de los guitarristas en 10, también tiene piezas que ofrece con un enfoque pausado: “Three Walls and Bars”, “Parade” y “Easter” son excelentes ejemplos. Ex. 6 es un homenaje a las composiciones más relajadas de Kottke. Presenta una amalgama de las canciones antes mencionadas, además de un poco de Robbie Basho también.

Escucha

Superficialmente, este enfoque final de la lentitud puede parecer radicalmente diferente de todos los ejemplos anteriores, pero de hecho, incorporar este ejercicio en su rutina de práctica habitual puede hacer que todo lo que toque, lento o rápido, adquiera nuevos niveles de significado y propósito.

Ahora, muchos de ustedes podrían pensar que esta técnica es poco más que tonterías de la nueva era, y puedo apreciar eso. Aún así, aquí no hay otra agenda que la de ayudarlo a convertirse en un jugador más reflexivo y musical, por lo que le suplico que pruebe este próximo ejercicio para ver si mejora su forma de tocar. Si no, tiene los seis ejemplos anteriores para trabajar. Pero si lo hace, podría cambiar tu forma de tocar para siempre. (Nota: solo he incluido a regañadientes una versión de audio de este ejercicio porque siento que no se traduce bien a ningún medio de audio grabado. La verdadera prueba es el sonido que usted mismo crea. Si usa mi audio como guía, por favor escuche con auriculares.)

En lugar de intentar explicar, acústica, mental y físicamente, lo que sucede cuando realiza este ejercicio, lo insto a que simplemente siga las instrucciones a continuación. Después de experimentar los sonidos, puede decidir si ha comenzado a escuchar y escuchar de manera diferente. (Nota: este ejercicio se realiza mejor con una guitarra acústica o con una eléctrica a través de un amplificador relativamente limpio y de bajo volumen; de lo contrario, es posible que esté sosteniendo y descansando durante mucho, mucho más tiempo del que desea).

1) Encuentre una habitación relativamente tranquila para hacer este ejercicio.
2) Con los ojos cerrados, elige una nota.
3) Deje que sostenga todo el tiempo que quiera de forma natural, sin vibrato.
4) Cuando la nota haya decaído por completo, retire la mano de la guitarra y descanse aproximadamente el mismo tiempo que la nota sostenida.
5) Repite este ejercicio, al menos tres veces más, con las notas que elijas.
6) Evaluar el proceso.

¿Qué escuchaste? Si eres como muchos jugadores he hecho este ejercicio (Ex. 7) con, es posible que hayas notado más de lo que hubieras imaginado. Por ejemplo, puedes escuchar los sobretonos. Los sobretonos son otro tema más allá del alcance de esta lección, pero la más breve de las explicaciones es decir que no hay notas “puras” en la música. Cada nota se compone de varias frecuencias discretas, la fundamental (el nombre que le damos a la nota) y muchos armónicos (frecuencias adicionales mayores a la fundamental), que suelen pasar desapercibidas si no se toca despacio. Al tocar a este ritmo glacial, uno puede escuchar notas dentro de notas.

Tu instrumento se sostiene durante mucho más tiempo de lo que creías posible.

Diferentes ataques crean tonos. ¿Te animó el ejercicio a modificar tu ataque? ¿Quizás intentaste usar tus dedos desnudos en lugar de la púa? ¿Te encontraste recogiendo más fuerte o más ligero? ¿Escogiste en diferentes áreas en relación con la boca de la acústica o el puente de la eléctrica?

Descansar entre notas hace que cada nota subsiguiente suene más completa.

Cuanto más baja sea la nota, más largo será el sostenido.

¿Notar estos pequeños detalles te hace un mejor jugador? Eso no me corresponde a mí decirlo de manera inequívoca, pero ciertamente este ejercicio de escucha activa permite reconocer los aspectos más fuertes de la interpretación y rectificar los aspectos más débiles. También puede dar a los músicos una mayor apreciación de numerosas facetas del sonido, desde ondas sonoras y vibraciones de frecuencia hasta la propia percepción auditiva. Si este ejercicio y estos temas son de su interés, le sugiero continuar con una investigación de las obras de John Cage, Pauline Oliveros y La Monte Young, ya que todos han trabajado seriamente en los reinos del silencio, las notas largas y sostenidas, y lo que Oliveros llama “Escucha Profunda”.

Menos es más, cuando hay más

Como suele ser el caso, el equilibrio es crucial. Las elecciones musicales no tienen que ser autocráticas, dogmáticas o absolutas. La interpretación lenta es muy eficaz cuando se compensa con su contrapunto: la velocidad. Mientras practica, si renuncia al piloto automático y recuerda ecualizar un aluvión de notas con silencios, o notas largas y sostenidas, o frases concisas de negra (a diferencia de las oraciones continuas de nota 32), cuando llegue el momento de tocar, su forma de tocar se verá fortalecida por ideas complementarias y dinámicas. Y, paradójicamente, tocar más lento hará que tu forma de tocar rápida parezca aún más rápida.