por Recientemente tuve el placer de escuchar Jazz Is Dead en el Festival de Jazz de Newport. Dirigida por el bajista Ali Shaheed Muhammed (A Tribe Called Quest) y el compositor/productor Adrian Younge, la banda se formó para inspirarse en grandes como Gary Bartz, Henry Franklin, Doug Carn, Roy Ayers, Jean Carne, Lonnie Liston Smith y otros en la creación de nuevas composiciones y nuevos arreglos de su trabajo. Sin embargo, la ironía detrás del nombre y el espíritu de esta banda es que el jazz ciertamente no está muerto.
El Festival de Jazz de Newport, fundado en 1954 por la filántropa de jazz Elaine Lorillard y el director artístico George Wein, es uno de los festivales de jazz más antiguos del mundo. Muchos han pasado por sus escenarios, desde John Coltrane hasta los Allman Brothers. Desde 2016, la lumbrera del bajo de Filadelfia, Christian McBride, se ha desempeñado como director artístico del festival.
Cualquiera que haya asistido recientemente a Newport oa cualquier otro festival de jazz importante, como el festival de jazz del Mar del Norte o de Montreal, probablemente estará de acuerdo en que los rumores sobre la desaparición prematura del jazz son muy exagerados. Pero la música está cambiando. Si eso suena contradictorio, es solo porque la naturaleza misma del jazz, o “música creativa”, como prefiero llamarla, es el cambio. Algunos de los máximos exponentes de esta música (Billie Holiday, Charlie Parker, Art Tatum, Miles Davis, John Coltrane y Nina Simone) fueron responsables de provocar algunos de sus cambios más significativos. No solo cambiaron la música de lo que era cuando llegaron, sino que, como en los casos de Coltrane, Miles y otros, también cambiaron por completo sus propios sonidos cada pocos años, hasta el punto de ser irreconocibles para sus fans anteriores.
Gran parte de la carne no está en lo que se escribe o se dice, sino en lo que se experimenta. Debemos poner a la próxima generación frente a los verdaderos mayores y los verdaderos jugadores tanto como sea posible.
El gran cambio en el jazz es un cambio general en la cultura que afecta la forma en que se aprende, se disfruta y se transmite esta música. Durante la gran mayoría de su existencia, el jazz ha sido una música comunitaria que surgió principalmente de los afroamericanos. Fue una música fundamental para la cultura negra, que influyó en el arte, los escritos, la filosofía, la moda, los clubes, la danza, etc. durante décadas. Y como muchas tradiciones musicales negras, el jazz persistió como una tradición oral, donde la próxima generación aprendió de la última en estrecha proximidad y luego, a su vez, enseñó a la siguiente generación de la misma manera. Esto no quiere decir que algunos músicos negros de jazz no hayan estudiado formalmente. Pero incluso en estos casos, la verdadera educación del jazz se llevó a cabo a través de tutorías fuera del aula. Los músicos jóvenes a menudo comenzaron escuchando grabaciones de los maestros, siguiéndolos a clubes y finalmente pasando años tocando en sus bandas antes de tener la oportunidad de liderar la suya propia, donde el ciclo comenzó de nuevo.
En el caso de músicos como Duke Ellington, Charlie Parker y Thelonious Monk, sus bandas eran las universidades. Todos formaban parte de un hilo que iba desde Louis Armstrong a Wynton Marsalis, de Elvin Jones a Marcus Gilmore o de Jimmy Smith a Joey DeFrancesco. Pero ese hilo se ha deshilachado cuando la tutoría fue desplazada por la educación formal.
La educación universitaria, con su metodología reglamentada, currículos estandarizados, estadísticas, reglas, requisitos de ingreso, privilegios, certificaciones y, por supuesto, los costos de matrícula asociados, literalmente cambió la cara del jazz, al igual que la gentrificación de Harlem, Filadelfia y Chicago. ahora empuja a los habitantes fuera de sus propias comunidades. Los niños pequeños que crecen en vecindarios históricamente negros en los EE. UU. hoy en día, en su mayoría, sienten muy poca conexión con el jazz y es posible que nunca lo experimenten en vivo o incluso nunca sostengan un instrumento musical. Entonces, tal vez sería bueno tener más educación de jazz desde la escuela primaria hasta la secundaria.
Pero en el nivel de educación superior, ¿qué se puede hacer? La educación formal tiene su lugar y sobresale cuando el objetivo es distribuir información estandarizada a un gran grupo de personas al mismo tiempo. En el caso de la música creativa, donde el objetivo es expresarse de una manera única y reconocible que está imbuida de la personalidad de uno, el enfoque de tutoría que alguna vez fue típico de la comunidad de jazz es vital. Gran parte de la carne no está en lo que se escribe o se dice, sino en lo que se experimenta. Debemos poner a la próxima generación frente a los verdaderos mayores y los verdaderos jugadores tanto como sea posible. Deje que la generación más joven vea a los mayores tocar, contar historias, interactuar… y tal vez algunos de los jóvenes músicos incluso puedan sentarse. Fomente el desarrollo de relaciones e intercambios reales.
Lamentablemente, la comunidad de jazz ha perdido a muchos músicos muy importantes, más recientemente al guitarrista Monnette Sudler y al organista Joey DeFrancesco. Pero los legados de estos jugadores viven a través de aquellos a quienes asesoraron, como una antorcha que se lleva adelante. En la era posterior al confinamiento, es posible que la escena no esté en su punto más vibrante, pero está regresando y hay muchos jugadores que están haciendo cosas realmente interesantes. el jazz es no muerto.
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