por En Guitarralia, entendemos que la música es un arte que va más allá de la simple combinación de notas. Y un claro ejemplo de ello es el cantante y compositor Devendra Banhart, quien ha reflexionado sobre la importancia del espacio entre las notas en una canción. En su entrevista, Banhart destaca que el silencio es una parte esencial en la creación de una pieza musical, ya que es en ese espacio donde se crean las emociones y sensaciones que transmiten las notas. Además, este músico con una trayectoria de más de dos décadas en la industria, nos brinda una perspectiva única sobre el canto y su relación con la autenticidad y la libertad creativa. En Guitarralia, te invitamos a adentrarte en el mundo sonoro de Devendra Banhart y descubrir cómo el espacio entre las notas puede cobrar vida en tus propias composiciones.
***Lo siguiente apareció en la edición de febrero de 2020 de Guitarrista***
Devendra Banhart tituló su álbum de 2019 de Nonesuch Records Bieny fiel a esa palabra, el contenido del registro trata en gran medida de los lazos que unen a las personas entre sí y con el mundo en general, ya sean maternos, espirituales, culturales o geográficos.
Sin embargo, Banhart dice que había otra motivación musical más específica detrás de él al elegir ese título.
El corazón de la canción no son solo las notas sino el espacio entre esas notas.
Devendra Banhart
“Justo antes de que empezáramos a grabar, estaba en Japón y me encontré con esta palabra, ma, un término filosófico para esencia o espacio”, explica. “El ejemplo de ma es una taza vacía, y la esencia de esa taza es el espacio vacío.
“Entonces comencé a pensar en eso en el contexto de la música. El corazón de la canción no son solo las notas sino el espacio entre esas notas. Y es tan difícil encontrar espacio musicalmente para mí. ¡Solo quiero llenarlo!” Él rió.
“Así que tenía esta palabra y sentí que funcionaba bien como título. Y resultó ser la palabra adecuada para un disco que trataba tanto sobre la maternidad, pero que encajaba muy bien con lo que quería lograr musicalmente”.
Lo que ha logrado Banhart musicalmente Bien es, de hecho, bastante impresionante. Las 13 canciones del disco están decoradas con todo tipo de sintetizadores y saxofones y cuerdas, sin olvidar los instrumentos de viento y percusión e incluso el sonido del Océano Pacífico.
Y, sin embargo, a pesar del rico tapiz instrumental, también hay mucho ma en la mezcla (incluso si Banhart, como dice Guitarristatendencia a estar en desacuerdo).
No hay un destino real para tocar la guitarra.
Devendra Banhart
En el centro de todo están las voces relajantes, los diálogos de Banhart y una cuerda de nylon acústica y Guitarra electrica obra, que muestra la influencia de toda una vida inmersa en los sonidos del Delta blues, la música tradicional británica, los trópicos de Brasil, los estilos primitivos americanos y otros estilos folclóricos.
Arkansas Bien, el guitarrista nacido en Venezuela y nacido en Estados Unidos, continúa tejiendo estas diversas influencias en un estilo que es exclusivamente suyo. Y aunque este es el décimo álbum de estudio de Banhart en general, él ve este esfuerzo como un viaje sin fin.
“No hay destino para tocar la guitarra”, dice. “No, ‘¡Oh, saqué la guitarra!’ No funciona así. Es una práctica continua. Y creo que eso te hace sentir humilde, como, ‘¡Guau, hay tanto en esto!’ La guitarra es un terreno para la exploración sin fin”.
Cuando inicias el proceso de escribir y grabar un nuevo disco, ¿tienes una idea clara de lo que quieres lograr? ¿O tiendes a escribir palabras y música cuando te llega la inspiración?
Funciona más como si estuviera acumulando contenido. Estoy como recogiendo desechos y escombros, y cachivaches. Y luego, en algún momento, saco la computadora portátil y empiezo a agregar este control remoto lento.
Empiezo a escribir las cosas, y es muy lento al principio. Pero luego se convierte en una práctica diaria, y al final tengo muchos cuadernos llenos. Así que, en ese momento me lanzo y pregunto: “¿Qué hay aquí? ¿De que se trata esta historia?”
Empiezo a escribir las cosas, y es muy lento al principio. Pero luego se convierte en una práctica diaria, y al final tengo muchos cuadernos llenos.
Devendra Banhart
Entonces, ¿cuál es la historia al respecto?
Desde hace mucho tiempo, estoy rodeada de mi familia elegida, gente que conozco desde que eran niños y que ahora tienen hijos, y ahora soy la tía de sus hijos. Miro a mis amigos de una manera nueva al ver la relación entre ellos y sus hijos, y es una relación hermosa. Y luego voy a casa a escribir sobre eso. Estoy viendo eso en el cuaderno.
Entonces, al mismo tiempo, veo a Venezuela, el país donde crecí, completamente en llamas. Literalmente. Estoy viendo un apocalipsis. Veo a más de 2000 personas al día tratando de dejar el país en el que crecí, y es un país que no puedo separar de mi propia madre. Y de hecho, incluso mientras estamos hablando en este momento, todavía está sucediendo.
Así que estoy viendo eso en los cuadernos. Y luego también veo que cuando me siento un poco asustado, inseguro y con el corazón roto, y estoy teniendo ese tipo de lucha, sigo escuchando la misma música que siempre escuché.
Todavía estoy escuchando a Vashti Bunyan y Bert Jansch y Davey Graham y Nick Drake y carola rey y Joni Mitchell y Leonard Cohen. Todavía recurro a esa música para consolarme. Eso es genial para mí.
Además, hice una gira por Asia y pasé mucho tiempo en Japón, y todas las cosas que él hace en los materiales que componen el álbum también.
Al principio de su carrera, su música se centró únicamente en la guitarra acústica y la voz, pero desde entonces ha ampliado significativamente su gama de instrumentación. En estos días, ¿qué papel juega la guitarra en tu escritura y grabación?
Realmente iba por esto, como, ‘guitarra mundial’, donde está mi guitarra y es todo lo que necesito.
Devendra Banhart
Bueno, primero estaba obsesionado con Mississippi John Hurt. Y pensé, OK, esto es todo. Este es el tipo de guitarra que quiero tocar.
Pero al mismo tiempo me obsesioné mucho con los guitarristas brasileños: Luiz Bonfá, Antônio Carlos Jobim, João Gilberto, Jorge Ben y, por supuesto, Caetano Veloso. Me gustaron mucho.
Y luego me llevó a este tipo de country británico en el que estoy obsesionado con Davey Graham, Nick Drake, John Martyn, Bert Jansch y John Renbourn, y luego con colegas estadounidenses como John Fahey, leo kottke y Tim Hardin.
Eso no responde realmente a tu pregunta, pero el punto es que realmente estaba buscando esto, como, “guitar world”, donde tengo mi guitarra y eso es lo que quiero. Luego, las cosas comenzaron a expandirse, y tuve acceso a otros instrumentos, y empezamos a escribir con eso. Me di cuenta, Wow, esto es todo un mundo. Los registros pueden estar más orquestados y pueden tener muchos instrumentos diferentes. Pero a lo largo de cada registro, todo comienza conmigo y el guitarra acustica.
¿En qué estaba tu guitarra principal? Bien?
Utilicé una guitarra flamenca Hofner para tocar todas las cuerdas de nailon, y tenía alrededor de 60 años. [Fender] Jaguar (se abre en una nueva pestaña) que usé para todas las partes eléctricas. y yo tenia dos amperios: Danelectro DM10 pequeño y Magnatone Varsity Deluxe.
¿Dónde grabaste el álbum?
Bueno, empezamos en Honen-in, un templo en Kioto, que obviamente no es un estudio de grabación. Pero teníamos una hora allí, y luego continuamos en el norte de California.
Usé una guitarra flamenca Hofner para tocar todas las cuerdas de nailon, y usé mi Jaguar de mediados de los 60 para todas las partes eléctricas.
Devendra Banhart
¿Cómo terminaste grabando durante una hora en un templo en Kioto?
Fue un completo despilfarro. La profesora de caligrafía de la Universidad de Kioto es amiga mía y me contó cómo había estado con los monjes ese día, mostrándoles caligrafía. Y dije: “¿Puedes preguntarle al monje principal si podemos grabar en el templo?” Solo estoy bromeando, básicamente. Y ella dijo: “Claro, preguntaré”.
Y luego vuelve a mí y a Noah [Georgeson, producer] Mientras estamos de gira en China y dice: “Tienes una hora”. Y ya hemos estado en Honen-in. Conocemos ese templo. Es un espacio increíble. Es uno de los templos budistas zen más antiguos de Kioto, que, por supuesto, es conocido por sus templos.
Grabamos en el Zendo, donde estás sentado, y fue lo mejor. Grabamos esta canción que no quedó en el disco, pero nos ayudó a darnos cuenta de lo que queríamos capturar en el álbum, porque no había paredes en el Zendo. Está el techo y, por supuesto, el suelo. Es solo un jardín. Así, la distinción entre adentro y afuera ha desaparecido.
Queríamos aproximarnos a eso también en casa. Necesitábamos estar en el campo, así que grabamos gran parte del disco en Big Sur y Stinson Beach. [California]. Y lo primero que hicimos fue abrir todas las ventanas y grabar el Océano Pacífico durante 24 horas. Y eso está en todas las canciones, aunque se puede escuchar en “12 de octubre”. Puedes escuchar un poco de eso.
Hay un fuerte elemento de “búsqueda” en tus palabras y música. Siempre estás buscando nuevos sonidos y espacios de grabación únicos y conceptos líricos frescos. ¿Te sientes impulsado por alguna musa artística?
Loren MazzaCane Connors [a.k.a. Guitar Roberts] Es mi guitarrista favorito… Toca los silencios tanto como las notas.
Devendra Banhart
Bueno, en este álbum fue algo a lo que no pude acercarme. Algo que no pude demostrar. Pero fallé en hacerlo de una manera con la que estoy feliz. Y esa es la idea del espacio que, irónicamente, da título al disco.
Loren MazzaCane Connors [a.k.a. Guitar Roberts] Es mi guitarrista favorito y realmente crea espacio para tocar. Es tan hermoso verlo o escucharlo tocar la guitarra. Da la impresión de que ni siquiera está tocando el instrumento. No hay objeto y contenido. No hay guitarra ni guitarrista. Es como ese templo: no hay separación real entre el exterior y el interior. Es solo una parte, y está tocando el silencio tanto como las notas.
Eso es ma.
No llegué a ese espacio, pero eso es algo por lo que todavía estoy luchando. ¡Así que gracias por recordarme qué fracaso es todo lo que he hecho!
Ordene el último álbum en solitario de Devendra Banhart, Bien, aquí (se abre en una nueva pestaña).
Y así llegamos al final de este artículo, donde Devendra Banhart, con su sabia reflexión, nos recuerda que la música no solo reside en las notas, sino también en la ausencia de ellas. Y es que, al final, la magia de una canción no se encuentra en lo que se dice sino en cómo se dice. Así que, queridos amigos guitarreros, sigamos explorando los matices de nuestro instrumento, pero no olvidemos el valor del silencio y su capacidad para hacer de nuestras melodías algo realmente especial. ¡Hasta la próxima, Guitarralia!
